La duda (Doubt)

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1964, en un colegio católico del Bronx surge la duda de la integridad de un sacerdote.

Aunque la trama de la película parezca una anécdota algo simple, la realidad es que da bastante que pensar (o por lo menos a mí me hizo pensar).

El guión de John Patrick Shanley (que adapta su propia obra con la que ganó el Pulitzer) tiene una precisión milimétrica, ni sobra ni falta una sola coma. Se apuntan muchos y muy interesantes temas de debate: la intolerancia, la injuria, la homosexuallidad, los abusos, el racismo, etc.

Los sermones del padre Flynn me parecieron geniales y esclarecedores de la nueva corriente católica del Concilio Vaticano Segundo (1962-1965) de Juan XXIII. Algunos detalles del guión nos situan en la convulsa sociedad norteamericana de los años 60 y en los cambios que en ella se estaban gestando (la foto del Papa Pío XII, los bolígrafos, etc). La confrontación entre 2 formas de pensar, de vivir y de educar está servida. Mientras el mundo gira y cambia inexorablemente, algunos se empeñan en negar el movimiento.

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La caracterización de Meryl Streep (hay que ver lo mal que me caen siempre los personajes de esta señora) es brillante aunque su personaje sea genialmente gris y severo. Philip Seymour Hoffman nos regala otra interpretación tan contenida como genial. Amy Adams (Encantada) nos llega a hacer dudar de si realmente es tan inocente como su personaje. Viola Davis sólo sale en una escena pero realmente lo borda. Pocas veces he visto una película con tan pocos actores con diálogo y que todos estén tan bien.

Si a un guión excelente (aunque claustrofóbico) le sumas unas interpretaciones perfectas sólo nos puede dar como resultado un film perfecto. Para mí este film es CASI perfecto pero no es una obra maestra ni atrapa lo que debiera. El agobiante ambiente teatral que planea sobre el film y la falta de toques de humor pueden provocar aburrimiento en muchos espectadores. OJO. Los conflictos entre monjas y sacerdotes no son lo más divertido para ver con los amigos una tarde de domingo.

Un film que gustará mucho a los amantes de los dramas (clericales o no) en los que aparentemente no pasa nada, profesores y a los académicos de Hollywood pero que quizás al resto del público le dejará algo frío. El film no da respuestas, ni propone soluciones, sólo genera dudas.

7

SLUMDOG MILLIONAIRE

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Bombay, un joven casi analfabeto está a sólo una pregunta de ganar 20 millones de rupias en la versión hindú del programa ¿Quiere usted ser millonario?.

El nuevo film de Danny Boyle nos devuelve a los mejores momentos de su carrera. Una carrera que empezó con buen pie con la excitante Traispotting pero que se fue desinflando hasta que se lanza otra vez con Slumdog millionaire.

Creo, sinceramente, que es una de las mejores pelis del año. Boyle tiene entre sus manos un material muy interesante y sabe sacarle todo el partido. Su estilo de rodar y de montar la película, con sus saltos en el tiempo y sus persecuciones se ajusta como un guante a la historia y a la agitada ciudad de Bombay. La historia podría ser perfectamente una película hindú de serie B pero la dureza del guión y la forma de rodar la elevan a algo mucho mayor.

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El luchador (The Wrestler)

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Randy “The ram” Robinson es un ex-luchador profesional que ahora malvive en el circuito independiente.

Soy fan de Darren Aronofsky desde que vi su imprescindible Réquiem por un sueño. Es el film más perturbador que recuerdo haber visto en años. La nueva película de este tipo es mucho más convencional, menos arriesgada formalmente, pero igual de notable.

Aronofsky ahonda sin problemas en las miserias de un antiguo campeón que lo ha echado todo a perder: ya no es joven, ni tiene amigos verdaderos, ni familia, ni futuro como luchador. Sólo vive de recuerdos y apenas consigue pagar el mísero alquiler.

La visión sórdida del mundo de la lucha libre norteamericana me pareció acertadísima. La soledad y el hastío de la antigua leyenda están muy bien retratados. Como en Réquiem por un sueño, Aronofsky nos muestra la otra cara del sueño americano, la cara de quien cogió el tren del éxito pero no supo aprovecharlo. El personaje de Randy podría ser un personaje de una canción de Bruce Springsteen, un fracasado que se resignó hace tiempo a serlo. El personaje puede parecerse al Rocky de Stallone, pero Rocky al final consigue su sueño. Randy ya no tiene sueños.MRWRERS15  3 MCNISH

Otro tema que la peli explora muy bien es cómo la sociedad necesita de gente que la divierta a base de sufrir, aunque todos sepan que el espectáculo es mentira. La identificación de las masas con un luchador y cómo le van exigiendo cada vez más me pareció por momentos de una brutalidad mucho mayor que los golpes y la sangre de las peleas. Esta identificación de los seguidores me recordó a la genial Danzad, Danzad malditos!

La forma de rodar es tan convencional como impecable. Esta vez no hay montajes acelerados ni experimentos varios, la peli en ese sentido es bastante clásica: un drama sin paranoias ni alucinaciones (que podría haberlas incluido fácilmente). La peli gana así bastantes enteros a ojos de un público más acostumbrado al cine normal. Por momentos parece que Darren Aronofsky nos va a dejar noqueados con algún experimento suyo, pero no. Con una buena historia y buenos actores es suficiente, no hace falta más.

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Siempre me ha parecido que Mickey Rourke era un gran actor. Soy fan suyo desde El corazón del Ángel (tremenda película) aunque su carrera ha sido bastante penosa. Ahora parece que vuelve de la tumba tras muchos excesos y no menos estupideces (sólo hace falta ver la cara que se ha dejado).

Lo que no parece que haya cambiado es su gran capacidad como actor. Para mí está excelente. Su composición del personaje es genial (la forma de andar, de hablar, el pelo, las miradas, esa voz de ultratumba). Se ajusta como un guante al personaje. No sólo físicamente (gran trabajo para un tipo de más de 50 años) sino también interpretativamente hablando.

El personaje y él tienen bastante en común. Mickey también tuvo su momento de gloria y lo dejó pasar tontamente. Esta peli puede ser su último combate para volver a ser un campeón, yo creo que lo ha logrado con la mejor interpretación de toda su maltrecha carrera. A mí me encantaron su personaje y su interpretación.

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Del resto del reparto,  Marisa Tomei (Antes que el diablo sepa que has muerto)  y Evan Rachel Wood (Thirteen) están bastante bien (aunque casi no me di ni cuenta de ellas, el personaje de Rourke se come la pantalla y eclipsa al resto de actores). Por cierto, que Marisa Tomei parece que a los 40 años le ha pillado el gusto a salir ligerita de ropa, aún así está muy bien. También la aparición de muchos luchadores reales ayuda a dar credibilidad al film.

En resumen, un film amargamente genial.

8

El curioso caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button)

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En 1918 nace en Nueva Orleans un niño con el cuerpo de un hombre de 80 años.

Soy fan de David Fincher desde Alien3 pero pienso que alterna una peli genial con una fallida. Ahora, tras la sensacional Zodiac, tocaba una fallida aunque la reunión con Brad Pitt nos hizo albergar muchas esperanzas.

Basada en el relato de F. Scott Fitzgerald, la premisa de un niño que nace con cuerpo de anciano y va rejuveneciendo conforme cumple años me parece muy jugosa. Asimismo, una historia de amor en la que los dos miembros de la pareja van en direcciones temporales opuestas creo que muy pocos directores podrían llevarla a cabo de forma satisfactoria. Fincher es uno de ellos, aunque el resultado final me ha defraudado un poco.

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La peli se inicia con un fabuloso prólogo con un toque Jean-Pierre Jeunet (Amélie, Largo Domingo de noviazgo) y toda la parte inicial está francamente bien. El guión está lleno de personajes entrañables, buenos diálogos y escenas muy bien resueltas. Trata temas como la paternidad, el amor matero, la niñez, el sosiego de la vejez, etc.

Pero luego la trama avanza algo lentamente, hay parones que provocan cierto aburrimiento. La peli se alarga hasta las dos horas y media y se hace algo pesada.

Parece ser que cuando Fincher entregó su película a los ejecutivos del estudio duraba 3 horas largas y éstos la cortaron sin su permiso. Es probable que estos cortes hayan afectado al resultado, habrá que esperar al director’s cut.

Sea como fuere, ni la tensión ni la pericia narrativa propias de Fincher aparecen casi por ningún lado (el prólogo, el predicador o la escena del taxista). Sí logra que que los continuos saltos temporales no mareen al espectador y que la historia de amor nos emocione varias veces, beneficiándose de la química que hay entre los dos actores.

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Para mí el único problema (tras la excesiva duración) es el personaje de Brad Pitt, quien siempre me ha parecido un buen actor. Está bien en la primera parte interpretando al curioso niño-anciano. Pero cuando el maquillaje va desapareciendo compone un papel bastante inexpresivo, sin matices, algo soso.

Un film así necesita que el personaje central sea alguien con el que el espectador sienta cariño o simpatía. Así sus peripecias se viven como propias y se puede llegar a pasar un rato entretenido. Pero el personaje de Benjamin Button no logra conectar con el espectador todo lo que debiera. Conecta más Cate Blanchett (tan genial como siempre), quizás su papel esté mejor escrito o sufrió menos cortes en el montaje. Por ella sí que llegamos a padecer durante el film, quizás porque su personaje sufre más.

A mí el personaje que más me llegó es el de Taraji P. Henson quien compone un personaje maternal realmente soberbio. Tilda Swinton y Julia Ormond están bien.

Técnicamente, la ambientación del film es genial, al igual que la fotografía (entre la estética Jeunet y la Tim Burton), el maquillaje y los efectos.

Interesante pero algo lenta.

7

Vicky Cristina Barcelona

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La nueva película de Woody Allen narra la historia de dos turistas norteamericanas que pasan un verano en Barcelona. Allí conocerá a Juan Antonio, un pintor local.

El amigo Woody Allen ha conseguido a su edad que no le interesen para nada las críticas ni las recaudaciones ni las modas. Es a su edad un creador totalmente libre que escribe y rueda lo que le da la gana. Tiene las suficientes obras maestras en su filmografía como para no plegarse a las exigencias de los grandes estudios.

Ahora se ha dado cuenta que en Europa se le valora y respeta bastante más que en su Norteamérica natal y le ha cogido gusto a rodar aquí. Supongo que el hecho de que el distintas instituciones públicas hayan financiado esta película también habrá influido algo. De hecho, esta película por momentos parece un publirreportaje de la ciudad de Barcelona. Tampoco olvidemos que el ayuntamiento de Oviedo le puso hace unos años una estatua al director y éste ahora se lo agradece sacando la bonita ciudad en su film.

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Tras Match point y El sueño de Casandra (en las que los protagonistas intentaban subir de escalafón social) los personajes de Vicky Cristina Barcelona son los típicos ricos Allenianos: algo cínicos y aburridos de tanto dinero que se dedican a tonterías bastante triviales (yates, gimnasios, viajes). Pero esta vez entran en contacto con la apasionada cultura española (pintores, poetas, bohemios, etc) provocándose un choque entre la dos formas de ver la vida. El personaje central, Vicky, se debate entre seguir con su aburrida existencia (casándose con un tipo con pasta pero bastante soso) o abandonarlo todo por amor.

No se puede decir que la historia esté mal rodada ni que el guión sea malo pero no creo que esté a la altura de lo mejor de Allen. Sí es un cambio relativo en su cine ( más sensual y vitalista) pero quizás no es todo lo satisfactorio que debiera. Los personajes mediterráneos quedan naturales, la fotografía es correcta y las escenas están bien rodadas pero de Woody esperábamos más. Mucho más.

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La película no es una comedia ni un drama (esta historia podría haber sido cualquiera de las dos cosas), de hecho, se queda a medio camino y no va realmente a ningún sitio. ¿Qué demonios nos quiere decir Woddy con esta peli? Ni idea. Sinceramente, creo que le aptecía rodar con estos actores en España y ya está. Es un capricho.

Yo entiendo la peli como una crítica a la neurótica forma de vivir de los norteamericanos y un canto a la cultura mediterránea. En el film pasan cosas que pueden ser dramáticas (infidelidades, suicidios, disparos) pero los personajes españoles las asumen con bastante naturalidad contagiando a la peli de un aire despreocupado. Igual es que a Woody Allen le ha dado por imitar el estilo Almodóvar pero debería saber que la cultura mediterránea es algo más que flamenco, sexo y arte abstracto. Tampoco comprendo la idea preconcebida de que en Europa todos somos bohemios, bisexuales,  poetas, pintores o músicos.

Que Woody está totalmente colgado por Scarlett Johansson me parece obvio, así como su fascinación por Penélope Cruz. Las dos dan el pego en sus papeles. Javier Bardem me ha gustado bastante menos, no me lo creo como imán sexual. Sus primera frases del guión son para echarse a llorar (”Vámonos en la avioneta de un amigo a Oviedo y hacemos el amor“, JUA JUA JUA. Vaya diáolgo más ridículo / patético. ¿En qué estabas pensando, Woody??)

Por suerte, no todas las frases del guión son tan desafortunadas. Penélope Cruz y Javier Bardem ofrecen las escenas más divertidas con unos diálogos bastante frescos. Sus personajes son los más atractivos del film. También Rebecca Hall cumple con su papel de sosa niña rica.

Al final, un film menor de Woody Allen .

5,5

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Los cronocrímenes

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Lo que empieza como una tranquila tarde de verano se puede llegar a complicar bastante.

La primera película de Nacho Vigalondo es una película de ciencia ficción y viajes en el tiempo bastante atípica dentro del cine español. El género fantástico no se prodiga mucho en el cine patrio, sólo Alex de la Iglesia ha hecho alguna incursión en lo fantástico (con resultados normalmente bastante desastrosos). Mientras De la Iglesia se queda casi siempre en la anécdota, la mofa y en los personajes caricaturescos, Vigalondo hace un intento mucho más serio de acercarse al género.

Villalongo entrega un film bien escrito y bien rodado, sobre todo teniendo en cuenta que es su primera película. Cierto que la escasez de medios limitan los efectos especiales y los artificios técnicos pero con una buena historia ya tienes mucho camino andado. La ambientación en el bosque le da un toque misterioso muy adecuado.

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El guión es valiente, nos lleva del misterio a la ciencia ficción y añade ciertos elementos de terror sin dejar de tener siempre un toque realista. Cada detalle del guión irá encajando como si de un complejo rompecabezas se tratara.  El espectador queda atrapado mientras el personaje de Karra Elejalde se va metiendo cada vez más en una trama que obviamente le sobrepasa.

Considero muy acertado el misterioso personaje de las vendas y las tijeras, aunque su origen queda algo forzado. Me recuerda a un personaje de las pelis de Sam Raimi (Darkman) o de Tim Burton. Vigalondo sabe que el villano es fundamental en toda peli de aventuras/ misterio y juega con ello. La identidad del misterioso personaje y el juego que se establece con los prismáticos me pareció muy logrado.

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No todo va a ser posotivo. La cosa no funciona perfectamente, hay algún parón y alguna incongruencia típica de los viajes en el tiempo. También está el inevitable desnudo femenino metido con calzador. Algunos espectadores pueden liarse con tanto viaje temporal y tanta duplicidad (Héctor 1, Héctor 2, Héctor 3) y el guión no resiste un análisis pormenorizado (casi ninguno de la ciencia ficción lo hace). Partamos de que los viajes en el tiempo no son posibles. Por cierto, me recordó mucho al film estadounidense Primer de Shane Carruth y a La ventana indiscreta de Hitchcock.

Los actores están bien, Karra Elejalde está bastante ajustado así como Candela Fernandez y Bárbara Goenaga. El único que no da el pego es Nacho vigalondo, no me convenció nada como actor, es el más flojo con diferencia. Quizás debiera dedicarse sólo a escribir y dirigir.

Un film valiente y necesario aunque no perfecto.

6

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